A finales de septiembre, Will Butler + Sister Squares debutaron con su álbum homónimo (Merge Records, 2023) compuesto por 14 tracks, dando seguimiento de algún modo a los trabajos editados previamente como solista por Butler: Policy (2015), Friday night (2016) y Generations (2020), todos editados por el sello Merge. El músico abrió así una nueva brecha dentro del mundo del pop, con una propuesta que tiene como principal finalidad convertirse en un referente inmediato del panorama independiente mundial.
El combo integrado por las hermanas Julie y Jenny Shore, Sara Dobbs, el multiinstrumentista y productor Miles Francis y, evidentemente, Will, tiene como base de operaciones la ciudad de Nueva York, misma que ha dejado una huella imborrable en todos ellos. De hecho podríamos considerar aquel sitio como su principal fuente de desarrollo gracias a todo lo heredado y aprendido a lo largo de los años. Acá una charla con Butler, a propósito del lanzamiento de Will Butler + Sister Squares.
Háblame de la concepción del álbum. Encuentro fascinante el que haya una gama de música tan extensa bajo el concepto de un solo grupo.
Desde el inicio quisimos hacerlo así, estamos muy contentos. Aunque debo decir que no lo tuvimos siempre del todo claro. Teníamos pedazos de canciones, ideas sin pulir y algunos coros, pero dijimos, “si podemos unir todo esto y crear una red musical coherente, vamos a lograrlo”. El disco no tiene ninguna intención específica, pero pensamos que si podíamos hacer algo como Abbey Road entonces debíamos concretarlo. Queríamos hacer lo nuestro sin saltarnos ningún proceso. De hecho, repetíamos muchas tomas en el estudio y escuchábamos todo hasta estar convencidos de que lo que estábamos obteniendo era lo que necesitábamos.
Creo que el que su lugar de origen como banda sea Nueva York les otorga un carácter artístico único, alineado a la perfección con los movimientos musicales, vanguardistas y contraculturales gestados ahí, ¿coincides con esto?
¡Por completo! En especial con los ritmos y la percusión. Miles es totalmente neoyorquino, Jenny, Julie y yo tenemos una década viviendo acá. Creo que a lo que más queremos acercarnos es al Bowie de esta ciudad en los años 70’s y al de la época de Blackstar, con mucha influencia del Soho. En realidad tenemos mucho del CBGB, de La Monte Young, del minimalismo moderno y todo eso. Vamos, Alan Vega y Suicide son Nueva York, estamos orientados hacia eso.
En materia artística y musical, ¿cuál son las mayores virtudes de este proyecto tan nuevo?
Creo que realmente existe una gran armonía entre todos los que conformamos la banda. No importa si tocamos canciones que no sean tan alegres; somos felices estando juntos. Es decir, el simple hecho de unir nuestras voces y presencias en el mismo sitio lo hace todo especial. Tener las piezas adecuadas en su lugar, todas al mismo tiempo, genera la sensación de que esta música tiene su propio corazón, de que existe un balance que va en muchas direcciones.
Antes de materializar esta banda, editaste tres discos en solitario Policy, Friday night y Generations. ¿En qué momento supiste que era adecuado formar un conjunto en el que cada miembro tuviera su propio peso, imprimiendo su forma individual?
No lo sé exactamente. Toco con Miles desde 2015. Pasando tiempo juntos decidimos hacer este disco, escribiéndolo y produciendo genuinamente. Y se convirtió en algo obsesivamente bueno. Comencé a escribir muchas letras y a enviarlas a la banda, además mandaba notas de voz cantando ideas. Una experiencia tridimensional. Cuando trasladas esto a la realidad con la gente que te importa y en la que confías y les muestras lo que haces y te dicen que eso funciona, es cuando se forma la unidad como grupo. Así sucedió con Saturday night. Literalmente se trata de hablar, escucharse y aceptarse. Laborioso, pero lo logramos a pesar de que es el primer disco en el que lo hacemos. Fue fresco, vigoroso y reconfortante.
Coprodujiste el disco con Miles Francis, con quien generaste una gran mancuerna en la que poco hablaron sobre producción, pero obtuvieron un gran resultado.
Nunca antes me senté con alguien para decir “vamos a escribir una canción”. Y al fin sucedió en el estudio de Miles. Simplemente llevé mi bajo (de hecho, fue la primera vez que utilizamos un bajo para componer, todo lo hacíamos con una base de teclado) y le conté: aquí tienes una batería, hagamos una canción, quién sabe que pueda pasar, igual es una tonada completa o salen miles de trozos de ideas, pero hagamos algo distinto. Cuando confías en alguien, cuando realmente disfrutas, todo sale bien; cuando no es así se vuelve una experiencia desafortunada y simplemente quieres que todo se termine rápido e irte a casa.
El video para “Arrow of time” abre la puerta para un par de interpretaciones. Primero la de crear la imagen de una banda que comienza desde abajo, como cualquier otra…
Tal vez no estamos innovando en ese sentido, pero en ese aspecto estamos seguros de que sí estamos construyendo algo palpable, algo que realmente puedes tocar y sentir con tus dedos. Nos gusta involucrarnos en todo, desde conectar y desconectar hasta saber cuál es el largo de todos los cables que necesitamos. Esto sólo es equiparable a cuando preparas algo con tus propias manos en tu cocina.
Por otro lado, es un video que no es precisamente propagandístico o bélico, pero que sí busca sacudir conciencias…
Literalmente fue sólo un pensamiento derivado. Sucedió que tenía una cámara conmigo y estábamos manejando hacia un festival y todo alrededor me pareció nostálgicamente hermoso. Creo que se trata de rememorar algo desde un punto de vista de Ciencia Ficción en el que el lugar en el que nos situamos ahora es el pasado. ¿Qué nos depara el futuro? Creo que no es un hábito muy saludable, pero a mi cerebro le encanta tratar de anticiparse al futuro, no sé si sea por haber crecido en los años ochenta, porque además me tocó vivir lo último de la Guerra Fría y siento que un poco de esa vibra viene de regreso, como que cierto temor infundado nos rodea de nuevo. Es como decir: sé de qué se trata y conozco esta sensación. Me sucedió cuando ingresé a primer grado y, a pesar que no nací en los cincuenta, toda esa vibra se sentía muy familiar.
Previamente, filmaron otro video para el sencillo “Long grass” donde incluso se les puede ver montando sus propias coreografías.
Cuando supimos que esa iba a ser nuestra carta de presentación y, siendo un grupo tan nuevo, queríamos mostrarnos como somos. Tiene mucho sentido porque Jenny, que es coreógrafa, y Sara, que es una bailarina espectacular, se encargaron de montar todo. Simplemente quisimos enseñarnos a nosotros siendo nosotros, sin filtros, dejando que la gente nos conozca a fondo. Lo dirigí con mi amiga Adrianne Anderson, quien ya había colaborado antes conmigo.
¿Planes para la CDMX?
Honestamente no sé si de momento sea posible, por el aspecto financiero, pero morimos por ir. Frecuentemente se lo consulto a mi agente de booking, tenemos que buscar la forma de ir lo antes posible. No creo que suceda este año, sería una locura, pero tenemos los dedos cruzados para hacer algo grande durante la primavera de 2024, básicamente es nuestra única prioridad. Tenemos miles de razones para querer estar ahí.
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