La legendaria banda Built to Spill lanza al mercado When the wind forgets your name (Sub Pop, 2022), su novena placa de estudio si se deja de lado el tributo a Daniel Johnston que editó en 2020, a modo de homenaje al fallecido músico establecido en Texas. La siguiente charla engloba la visión de Doug Martsch, líder y guitarrista del conjunto, quien después de un largo periodo con una base estable de músicos, desde 2017 ha recurrido a la rotación de bajista y baterista, con los brasileños João Casaes y Lê Almeida en dichas labores, respectivamente, y también responsables de la grabación del más reciente trabajo de combo, con la ayuda de Melanie Radford (bajo) y Teresa Esguerra (batería).
TXT:: Joel Rodríguez
Han pasado 7 años desde la edición de Untethered Moon (Warner Bros., 2015), lo que da continuidad a largos periodos entre sus lanzamientos durante el nuevo milenio. ¿A qué se debe?
Tenemos muchas ocupaciones en la vida. Queríamos lanzar otro álbum inmediatamente después de Untethered Moon, pero salir constantemente de gira lo dificultó y terminamos separándonos. Armé una nueva versión del grupo, salimos de gira y comenzamos a grabar, nos tomó como otro año, además de que llegó la pandemia. Eventualmente pasó aproximadamente otro año para que Sub Pop lo lanzara.
No hay nada extraordinario detrás de ello, simplemente estoy en un punto en el que no tengo ninguna prisa para que las cosas sucedan, no hay ningún inconveniente si sucede ahora o más adelante. No es que la música deba tener un momento específico para salir y así tenga sentido que se le escuche. La música puede lanzarse en cualquier momento.
Creo que When the wind forgets your name abrió una oportunidad ideal para la experimentación, como en “Fools Gold” que, como gran novedad, incluye una marimba.
Se dio porque estábamos echando desmadre y tratando de divertirnos, incluso tratamos de emular algunos discos que nos gustan. Ciertos aspectos en la producción podrían estar algo estropeados, pero me gusta el resultado, cómo suena. Lo primordial para mí era mostrar que el disco no se hizo a base de computadoras, espero que suene lo más natural posible, sin tanta sobreproducción.
Háblame del nombre del álbum y sobre la idea de integrarlo a una vida regida por la pandemia.
No recuerdo exactamente en qué estaba pensando cuando surgió como opción, pero para mí es una especie de coincidencia que se genera con “The wind cries Mary“, de Jimi Hendrix. Simplemente elegí una canción que me parecía realmente hermosa, aunque al mismo tiempo me parecía algo pretencioso y medio serio; es por lo que quise que el arte del disco lo hiciera Alex Graham. Buscaba algo colorido y divertido y que, en contraste con el nombre del disco, no reflejara tanta seriedad. Digamos que se trataba de hacer algo divertido que se opusiera a la tristeza del título.
Hablando del arte del álbum, considero que Alex Graham se inspiró en las animaciones hechas por los Monty Python para The Meaning of Life (1983). ¿Recuerdas esa cinta?
¡La recuerdo totalmente! Nunca lo hablamos, en realidad no sé si Alex está influenciada por ello, pero básicamente hizo lo que le vino en gana. Y aunque me consultaba algunos aspectos sobre hacia dónde dirigir el resultado, le pedí que simplemente siguiera sus instintos.
¿De qué forma asumiste el rol de productor del disco al trabajar con gente nueva?
Lo primero fue hallar a músicos que tuvieran los mismos intereses musicales. João y Lê Almeida conocían a la perfección nuestra música, por eso fueron completamente capaces de entenderme y salir de gira. Además aportaron muchas cosas positivas con sus antecedentes de raíz brasileña y de la tradición del indie norteamericano. Guided by Voces y bandas de ese estilo. En realidad es una colaboración, trabajaron la batería y el bajo, haciéndose cargo ellos mismos de los detalles de ingeniería, producción y sonido que requerían. Yo grabé por mi cuenta, intercambiando ciertas ideas de mezcla y producción a través de correos electrónicos. Así es como se dio.
“Spiderweb” me parece el tema más memorable de todo el disco, me remontó a los inicios del grupo.
Es lo más cercano en el disco al post-punk y al indie rock, a lo que escuchaba cuando fui adolescente. Ya sabes, R.E.M., Dinosaur Jr., los Pixies y bandas con ese perfil. No sé exactamente qué onda con esa canción, pero claro que tiene esa vibra, al menos para mí.
Pocas bandas de la escena alternativa o indie pueden hablar de cierta longevidad dentro de un sello multinacional, como es su caso. Estuvieron fichados con Warner Brothers de 1995 a 2017. En este sentido, ¿cuál es el panorama que les ofrece hoy en día una compañía independiente como Sub Pop Records?
No sé que esperar. Hasta ahora lo que hemos hecho con Sub Pop es genial. Ya era muy buen amigo de algunas personas que trabajan allí y ha pasado lo mismo con la gente que he conocido ahora; todo ha sido más relajado. Los percibo mucho más interesados en trabajar a profundidad conmigo que lo que alguna vez lo pudo estar la gente de Warner Bros., lo cual está perfecto.
Por otro lado, también me encantó formar parte de una multinacional, pero la gran diferencia con los de Sub Pop es que ellos están haciendo un esfuerzo mayor para promovernos, lo cual se agradece bastante porque hasta el momento nos han permitido hacer lo que hemos querido y tomar todas las decisiones creativas respecto al disco y las giras.
Son originarios de Boise, Idaho; sin embargo, tienen una relación especial con Seattle. Lanzaron su álbum debut, Ultimate Alternative Wavers (1993), a través de C/Z Records, otro sello subterráneo legendario.
A finales de los años 80, en Boise, lo natural era ir a San Francisco, Portland o Seattle; la mayoría fuimos a Seattle. Cuando llegué, la Sub Pop recién comenzaba, estuvimos tocando todo el tiempo un par de años hasta que conocimos a Chris Takino, quien lanzó nuestro segundo disco en su compañía, Up Records. ¿Sabes? No tocamos en Nueva York o Florida, a menos que estemos de gira, pero siempre nos aseguramos de montar shows en Seattle y Portland un par de veces al año, son nuestros segundos hogares.
